1001º Centígrades se grabó entre el 5 y el 10 de abril de 1971, justo un año después del anterior Kobaïa y  muestra a un grupo desbordante de creatividad, el cual en dicho periodo ha creado una trilogía sonora de corte conceptual. Efectivamente, este disco continúa con odisea kobaiana. En palabras de Christian Vander, “Rïah Sahïltaahk” (primer tema de este disco) “es el siguiente capítulo de la historia del primer álbum...”. Pero volveremos sobre la historia más tarde. Aparecen algunos cambios respecto al disco de debut. Ya no tenemos un álbum doble compuesto de canciones de entre 5-10 minutos sino un solo disco con tan solo tres canciones, una de las cuales ocupa toda la cara A, se trata de la antes mencionada “Rïah Sahïltaahk”. Se producen cambios de personal donde destaca la marcha del guitarrista Claude Engel , siendo la guitarra un instrumento que no se reintegraría . También se iban Paco Charlery y Richard Raux.

Permitidme que empiece esta reseña contándoos como llegué a conocer a Magma. Hace diez años más o menos, en mi último curso de Magisterio tuve un profesor de Geografía fanático del rock progresivo. Un buen día, un compañero me devolvió un cd de John Paul Jones que le había prestado, justo antes de la clase de geografía (concretamente topografía). Entro en el aula, dejo la carpeta encima de la mesa y el cd encima de la carpeta porque no quería guardarlo en medio de la carpeta no se me fuese a romper la caja. Alberto, que así se llama el profesor, pasó por mi lado, se fijó en el disco, lo agarró para echarle un vistazo mientras yo esperaba alguna frase tipo “no quiero esto encima de la mesa” y sin embargo escuché un “¿te gusta el rock progresivo?” que me dejó medio descolocado. Tímidamente respondí que sí y cuando terminó la clase empezamos a charlar largo y tendido forjando una amistad que dura hasta hoy.

Acostumbrados ya a cambios radicales en las formaciones u orientaciones de Magma, lo que sucedió en este momento fue el cambio más radical de todos, la aparición de Offering. Éste grupo es diferente a los proyectos fuera de Magma que tiene Christian Vander, los cuales son varios y diversos. Orientados al Jazz Rock en el caso del supergrupo Fusion o de las diversas formaciones del grupo Alien –el único proyecto de Vander que aún no tiene nada publicado de forma oficial–, al jazz en el caso de propios tríos o cuartetos o de su proyecto con Simon Goubert, Welcome; y todo ello sin olvidar sus discos en solitario tales como To Love o Les Cygnes et les Corbeaux, en una línea muy personal. Todo eso es de una gran calidad y merecería ser reseñado, pero fuera del estudio del “conglomerado” Magma – Offering.

Más importante que esto, VanderTop no funcionaba bien y se mantenían reservas sobre la música que proponía Top, que no gustaba a la mayoría de los miembros del grupo. Después de esta gira Magma se disolvió y comenzó un período de una gran inestabilidad para la banda, con muy diversas formaciones, algunas de corta vida, de las cuales ninguna grabó nada oficial aunque sí hicieron giras, presentando material nuevo. Esperamos que algo de esto salga a la luz algún día, sobre todo por el repertorio y la configuración de doble batería que se intentó para liberar a Vander, para que pudiera tocar el piano y cantar, como sí quedó reflejado en un programa para la televisión. Una de las piezas de esta época indocumentada es “Morrison on the Storm”, un homenaje a Jim Morrison basado en el clímax de “Riders on the Storm”. Debido a tanto problema acumulado, no hubo un nuevo disco del grupo hasta 1978.

Hay una grabación de Mekanïk Destruktïw Kommandöh registrada en enero de 1973 y editada por el sello Seventh en 1997, llamada Mekanïk Kommandöh. La formación del grupo era la siguiente: Klaus Blasquiz a la voz y percusiones, Stella Vander a la voz, René Garber al clarinete bajo y voz, Jean-Luc Mandelier a los teclados, Jean-Pierre Lambert al bajo, Christian Vander a la batería, voz, órgano y percusiones y los coros de la Storchhaus. Hay diferencia apreciable en los arreglos entre esta versión y la definitiva, grabada cuatro meses después. Esta música se nos presenta aquí mucho más austera que en su versión definitiva en estudio. Siguiendo con esta época, podemos escuchar en la recopilación Inedits la pieza “Gamma Anteria” de esta formación de Magma, sin Stella Vander y con Gérard Bikialo al piano, grabada el 15 de febrero de 1973. El tema, precedido por “Om Zanka”, forma parte del final de la tercera sección de Köhntarkösz Anteria. El álbum Inedits recoge, pues, dos fragmentos de esta obra.

Nota previa: No es ésta una biografía de Christian Vander. Sólo tenemos datos contrastados hasta el año 1976, ya que estamos pendientes de la reedición de la biografía de Magma en francés, escrita por Antoine de Caunes, y que conocemos por su primera edición. También se aproxima la fecha de la edición de un nuevo libro. Esperamos ambas cosas. No abordaremos la obra de Vander fuera de Magma u Offering, ya sea bajo su propio nombre o de otros conjuntos. La vida de Magma supera los cuarenta años. Teniendo en cuenta esto y la enorme cantidad de músicos que por sus filas han pasado resulta que no es posible hacer un recuento detallado de todas las formaciones del grupo. La idea es acudir a lo que es esencial. Debemos reconocer que el título de este escrito no es original, sino que utiliza el de una novela de John Varley, que encontramos muy adecuado para representar el concepto subyacente a esta música.

Kevin Ayers es uno de los casos mas enigmáticos en la historia del Rock, ha tocado y grabado con gente del nivel de Soft Machine, Syd Barret, Mike Oldfield, David Bedford, Andy Summers, Zoot Money, Steve Hillage, Elton John, Brian Eno y Ollie Halsall entre otros, la crítica lo ensalzaba, personajes como John Peel lo define como uno de los personajes con mas talento musical que ha conocido, además del talento también tenía prestancia, carisma y demás cualidades que pretenden las discográficas de un artista para llevarlo a la “cumbre”, cosa que intentaron por supuesto. Pero hubo un “pequeño problema” en todo esto, era simplemente que no le interesaba para nada.

Noticias sobre el próximo disco de Senogul narradas por su teclista, Eduardo:  mientras trabajamos en las sesiones "Colossus", hemos empezado también a grabar lo que será nuestro tercer disco. Camino lleva de ser nuestro trabajo mejor definido, asumiendo todos los campos en los que nos hemos movido (y aún estamos). La estructura y el contenido, salvo algún cambio puntual sobre la marcha, ya la tenemos concebida. Todo apunta a que volveremos a hacer un disco largo (es nuestro sino). El paso lógico tras nuestros dos discos anteriores es una fusión de ambas tendencias. De alguna manera esto es cierto a medias. Volvemos a la base de quinteto de rock progresivo de nuestro primer álbum como plantilla general para trabajar, aunque también se nota (en detalles) que ha habido un CESCI previo. También habrá novedades en cuanto a instrumentación, y sobre todo en cuanto a colaboradores (lo cual no desvelaré hasta que todo esté acabado, no vaya a ser...)

Tras diversas conversaciones en noviembre de 1974 se decide fundir ambos grupos, aunque como se ha comentado en la biografía esto no se terminó de conseguir. Este mismo mes tienen lugar las sesiones de grabación en The Manor y en los Nova Sound Studios. De ellas surgió el tema War que aparecería en el siguiente disco de Henry Cow, cuya grabación sucede durante el primer tercio de 1975. Aquí la producción estuvo a cargo tanto de Slapp Happy como de Henry Cow con la ayuda de Simon Heyworth. La portada no incluía un calcetín y no era de Ray Smith sino de Peter Blegvad. El nuevo disco no es editado hasta finales de febrero de 1975.

Es un doble LP que fue editado por Greasy Truckers, una asociación aparentemente filantrópica que ya había editado en abril de 1972 otro doble LP incluyendo grabaciones en febrero de grupos como Man o Hawkwind. Greasy Truckers: Live at Dingwalls Dance Hall dedicaba nuevamente cada cara a un artista, en este caso y sucesivamente Camel, Henry Cow, Global Village Trucking Co. y Gong. Buena parte de la música sería grabada en directo durante un evento que tuvo lugar el 8 de octubre de 1973, pero esto no fue así en todos los casos. Con motivo de un problema con el fluido eléctrico que retrasó el inicio del evento y debido al inamovible final a las 2 de la mañana, tan sólo quedaron 10 minutos para Henry Cow, de forma que su aportación al disco se grabó en el estudio The Manor el día 4 de noviembre de 1973. El registro y las mezclas fueron realizados por Tom Newman y el propio grupo. Este acontecimiento fue filmado por la televisión francesa para un documental sobre Virgin Records.

El primer disco publicado por Henry Cow tenía por título The Leg End Of Henry Cow, es decir, un juego de palabras entre La leyenda de Henry Cow y El final de la pierna de Henry Cow, que permite entender que la portada – obra de Ray Smith - sea un calcetín. La grabación se efectuó entre mayo y junio de 1973 en el conocido estudio The Manor. Las mezclas se llevaron a cabo en julio y la publicación tuvo lugar en agosto. Si bien el ingeniero de la grabación fue Tom Newman, esa tarea fue desempeñada por Mike Oldfield en el caso de la primera mitad del primer tema, Nirvana For Mice. Según John Greaves esto se debe a que Tom Newman estaba ebrio durante los primeros días, ocupando entretanto Mike Oldfield su lugar. El propio grupo se encargó de la producción.

2010 será un año de referencia para John Zorn, que ha prometido doce nuevas publicaciones, una cada mes. Se incluirán nuevos discos de The Dreamers, Moonchild y Alhambra, tres nuevas ediciones de la serie Book Of Angels, un importante estudio de composición dedicado a la escritora koreana-americana Theresa Halk, una edición clásica de su aclamado concierto para violín "Contes Des Fees", el DVD de su opera Astronome, hecha junto con Richard Foreman, un CD de improvisaciones a duo junto con Fred Frith, y sin duda, muchas sorpresas. Muchas de las grabaciones ya están finalizadas y el calendario de publicación ya está establecido, así que mantén tus ojos y tus oidos alerta y espera una una nueva publicación de Zorn cada cuarto jueves del mes en 2010.

 

Se ha comentado que Art Bears se originan en el proceso de grabación del último disco de Henry Cow tras surgir desacuerdos acerca del contenido entre los distintos miembros del grupo. Y que después de que Henry Cow no se reconociese en las grabaciones llevadas a cabo en enero, se llegó al acuerdo de que Frith, Cutler y Krause editarían las canciones que habían creado bajo el nombre de Art Bears y con el título de Hopes And Fears. Pero... ¿de dónde proviene el nombre de esta agrupación? En una entrevista Chris Cutler comentaba que el origen está en una frase del libro Ancient Art and Ritual (1913) de Jane Ellen Harrison. La siguiente frase - que Cutler no recordaba literalmente en el momento de la entrevista -:

Slapp Happy contacta con Henry Cow de cara a la preparación de su segundo disco para Virgin, pues tenían interés en que fuesen su grupo en las sesiones de grabación. El trío acudió a la reunión con una buena provisión de alcohol. Chris Cutler comenta que no fue una decisión difícil puesto que: 1-Conocían a Peter Blegvad de la gira conjunta con Faust. 2- Él mismo había trabajado en el single Casablanca Moon justamente un año antes (aunque finalmente el single editado contuviese a otro percusionista). 3- Lindsay Cooper, Fred Frith y John Greaves habían trabajado en el single titulado Europa (que no se editó). 4- Geoff Leigh, Fred Frith y John Greaves - entre otros músicos - habían participado en una sesión de Slapp Happy para el programa de John Peel en junio de ese mismo 1974. Hay que decir que esta sesión está disponible de manera no oficial y en la información que la acompaña también se nos dice que aparecen Geoff Leigh y Fred Frith, pero no se menciona a John Greaves y sí a Chris Cutler y Lindsay Cooper, quien de hecho es nombrada por John Peel en la presentación. En cualquier caso, tras un octubre de escasa actividad en noviembre se decide que Slapp Happy y Henry Cow se fundan en una única entidad.

Henry Cow representa muchas cosas. En primer lugar es una banda clave para entender las inquietudes que se permitía el mundo del rock a finales de los 60 y a lo largo de los 70. Campos como la improvisación, la canción como vehiculo para la protesta, el folk, el jazz, el propio rock, la música clásica y en general la experimentación fueron explorados por Henry Cow cómodamente. Por otra parte el compromiso político fue algo decisivo en la banda, no sólo en su discurso sino en su propio funcionamiento, que siempre fue colectivo con todas las consecuencias. Además estamos en una banda en que las mujeres tuvieron un papel fundamental, no ya en lo numérico sino también en el sonido y en términos de composición. Finalmente, si bien la banda no pertenece estrictamente al llamado sonido Canterbury, ha habido momentos de proximidad estilística y muchos de los músicos con los que Henry Cow ha intercambiado pareceres artísticos si han estado más claramente vinculados al mismo. Hay que aclarar que esta banda tiene sus orígenes en Cambridge – donde se conocieron varios miembros fundadores – y no en Canterbury.

¡Kevin Ayers ha vuelto a grabar en estudio! Uno de los pioneros de la Psicodelia londinense, el Hippie de oro, el Doctor Sueño, el indolente cantautor de pop/rock progresivo vagabundo de playa y muchas cosas mas,  ¡vuelve después de 15 años! Ante esto cabe plantearse dos preguntas, con algunas “posibles” respuestas: ¿Por qué se fue? Cansancio, abandono de las discográficas tras sus renuencias a ser convertido en una gran estrella, incomprendido, perdido y derrotado, falta de confianza y autoestima, depresión tras la muerte de su amigo y compañero musical Ollie Halsall  “aun le recuerdo cada día, le hecho de menos musicalmente, si él siguiera vivo, yo estaría haciendo algo muy distinto, pero es lo que hay” (palabras textuales de Kevin Ayers). ¿Porqué su vuelta?

El sello Esoteric Recordings lanzará el 25 de enero el recopilatorio doble River of Life - The Manticore Years Anthology 1973- 1977 de Premiata Forneria Marconi. El álbum será un adelanto de las reediciones de los títulos que la banda italiana editó a través del sello Manticore. La lista de temas es: CD1: River of Life, Photos of Ghosts, Il Banchetto, Promenade The Puzzle, La Carroza Di Hans (lado B inédito en CD), The Mountain, The World Became The World, Just Look Away, Four Holes In The Ground (en vivo), Alta Loma Nine Till Five (en vivo). CD2: Is My Face On Straight (en vivo, inédito), Harlequin, From Under, Chocolate Kings, Dove Quando (en vivo, inédito), Out Of The Roundabout (en vivo, inédito), Celebration (en vivo, inédito), Storia In L.A., Jet Lag, Traveller. Fuente: la otra música

 

¿Por qué elegir este disco para hacer una reseña de  Uriah Heep, cuando ni es su mejor disco, ni el más famoso, ni el más impactante después de una primera audición, ni el más vendido? El motivo que me ha llevado a elegir precisamente este disco es que aparte de estar entre los cinco imprescindibles del grupo (Look At Yourself, Demons and Wizards, The Magician’s Birthday, Live y éste que nos ocupa), es que posiblemente sea el disco de su madurez compositiva. A partir de Sweet Freedom, ya  no grabaron discos tan buenos como los cinco que he nombrado. Grabaron los notables Wonderworld y Return to Fantasy , antes habían grabado los no menos notables Very ‘eavy very ‘umble y Salisbury, pero su “momento de gracia” (que todos los grupos tienen)  estuvo en estos cinco discos grabados entre 1971 y 1973.

Este es el segundo disco de Chris Squire en solitario tras Fish out the Water ¡de 1975! ya que Conspiracy y the Syn son proyectos con mas gente. Al igual que el primero también es un trabajo muy serio y de mucho esfuerzo, presenta una gran formación de músicos (Johnson y Stacey ya habían participado en Syndestructible, y Hackett......)  y con un excelente resultado, a pesar de ser de una temática mas “constreñida”. Además de que en sí mismo es un disco maravilloso, no había escuchado al bajo de Squire en condiciones desde su disco de the Syn (Syndestructible), y también da bastante buena pinta la conjunción Squire/Hackett, que al parecer está en proyecto.

Iron Kim Style es un nuevo proyecto formado por varios músicos que llevan muchos años tocando en diferentes bandas de estilos diversos en la zona de Seatle. Para el público progresivo, los más conocidos pueden ser el guitarrista Dennis Rea y el baterista Jay Jaskot, ambos pertenecientes a la banda Moraine, que hace pocos meses publicó también en el sello Moonjune su fantástico disco "Manifest Density". El grupo se completa con el trompetista Bill Jones, el guitarrista Thaddadeus Brophy y el bajista Ryan Berg. El curioso nombre que han elegido tanto para el proyecto como para el título del disco tiene un doble sentido.Por un lado hace referencia al acercamiento que "Iron Kim", un gran maestro de Om Yung Doe, realizaba hacia este arte marcial acrobático (Dennis Rea es un amante de la cultura oriental), y por otro, se burla del lider de Corea del Norte Kim Jong Il, cuya foto viene en el interior del CD, acompañando a los músicos.

Cuando llevas muchos años escuchando y coleccionando música, se hace cada vez más difícil encontrar bandas más o menos originales, cuyo sonido llegue a sorprenderte en algún momento. Aunque casi todo está inventado, y lo máximo que podemos esperar es dar con grupos que mezclen con acierto estilos ya existentes, cuando lo hacemos, y esa mezcla está reforzada por buenas composiciones y una cierta personalidad, es realmente excitante. Esto es lo que me ha pasado con Beat Circus, formación americana que ha grabado tres discos muy diferentes entre sí, y que ultimamente no deja de sonar en mi equipo. El principal responsable de este proyecto es Brian Carpenter, que junto con Brandon Seabrook forma la primera encarnación de la banda en 2001 bajo el nombre de Beat Science. Con el posterior reclutamiento de varios músicos de la zona de Massachusetts, cambian el nombre por el de Beat Circus, grabando su primer trabajo, “Ringleaders Revolt” en el verano de 2003.

A diferencia de Come To The Edge, el anterior ensemble eléctrico dirigido por el inclasificable percusionista japonés Stomu Yamash'ta, las directrices de East Wind son más fácilmente ubicables en los parámetros estéticos del jazz-rock, con especial interés en los grupos británicos de la primera mitad de los 70 (algo que ya hemos comentado en varias ocasiones en este foro). Mientras Come To The Edge presentaba como rasgos principales una instrumentación abierta y variada, junto a una destacada versatilidad compositiva, la música de East Wind, aunque diversa en sí mismo, camina en una dirección mucho más centrada y definida, con mayor profusión en los solos instrumentales (a menudo de gran virtuosismo, como suele ser característico en este estilo) y una dinámica y acentuada sección rítmica.

Arranca el proyecto discográfico Disconsonancia, destinado a amparar aquellas propuestas musicales relacionadas con el universo de Senogul (tanto por sus componentes como por su dirección estilística). Su primer lanzamiento es el disco debut del cuarteto Cuac!, una ecléctica banda que practica un estilo que ellos mismos denominan "onomatopop" y que no es más que una suma sin complejos de influencias diversas (jazz, funk, rock progresivo, bossa o soul) pasadas por el tamiz de canción pop con letras en un idioma inexistente y secciones instrumentales inesperadas. Podéis escuchar algunas piezas del disco en el myspace: www.myspace.com/onomatocuac

Nuestro usuario patata_s nos ha facilitado la noticia del regalo que hacen los rusos Little Tragedies; un CD titulado Magic Shop. Es un disco compuesto hace más de diez años que, tras algunas revisiones, fue grabado en 2008. También cuenta con dos músicos invitados que tocan la trompeta y la tuba. Podéis entrar en la página del grupo para ver la  información del álbum y descargarlo en los formatos mp3, FLAC o wav.

 

The delicate sound of Thunder es el disco que recoge lo que fue la gira de presentación de A momentary lapse of reason. Grabado durante las 4 fechas en las que Pink Floyd actuó en el Nassau Veterans Memorial Colisseum de New York. También se edito un vhs de dicho evento.Antes del comienzo de la gira hubo 4 meses de intensos ensayos en un hangar de Air Canada en el aeropuerto internacional de Toronto.Durante esta gira solían presentar integramente A momentary lapse of reason. Aunque ocasinalmente podían interpretar Dark side of the moon al completo en perjuicio del nuevo álbum. La portada, en mi opinión la más horrible de todas las del grupo, es obra como siempre de Storm Thorgerson.

La banda inglesa nos hizo llegar su próximo trabajo The Underfall Yard, a editarse el 15 de diciembre, el cual se perfila como uno de los mejores álbumes del año. Si bien su anterior CD The Difference Machine fue otro excelente disco, en la nueva obra se refina aun mas el sonido del grupo. En la misma participa por primera vez el notable cantante David Longdon, quien cantara en dos temas del ultimo disco de Martin Orford, y estuviese a punto de ser el reemplazante de Phil Collins en Genesis, llegando a trabajar varios meses en 1997 junto a Rutherford y Banks, antes del ingreso de Ray Wilson. En The Underfall Yard participan músicos muy destacados como Dave Gregory (XTC, Peter Gabriel), Nick D'Virgilio (Spock's Beard, Genesis, Tears for Fears), Francis Dunnery (It Bites), Jem Godfrey (líder de Frost*) y, desde ya, los dos miembros fundadores Andy Poole y Greg Spawton. Aquellos que quieran ir oyendo parte de este fantástico álbum pueden ingresar en la página de MySpace de la banda donde se ofrece parte de su tema "Master James of St George". Recomendamos fervientemente este trabajo a todos los amantes del progresivo melódico y elaborado. Fuente: mellotronweb.

 

Esta joya de disco documental contiene 22 canciones registradas por The Wilde Flowers (el grueso del álbum), el grupo Zobe (tres piezas) y Brian y Hugh Hopper (cuatro temas) entre 1965 y 1969. El disco alberga interpretaciones no sólo de los hermanos Hopper (saxos y bajo, respectivamente), sino también de Kevin Ayers (voz), Robert Wyatt (la mayoría de las voces solistas y la batería), Mike Ratledge (teclados, flauta), Richard Sinclair (guitarra rítmica y voz), Richard Coughlan (batería) y Pye Hastings (guitarra) entre otros. Los temas, prácticamente todos son canciones pop, incluyen primeras versiones de futuras piezas del primer Soft Machine o Robert Wyatt en solitario. The Wilde Flowers es un disco muy atractivo, sobre todo para trazar los primeros pasos de Robert Wyatt. También aparece la grabación más antiguas de Richard Sinclair como cantante solista. Todo esto en el lado del haber.

Este disco recoge una actuación de Daevid Allen, recitando poesía y tocando guitarra “desafinada”, junto a Hugh Hopper y Robert Wyatt; Mike Ratledge tocó el piano en un tema. El interés del álbum es estrictamente documental, dado que en ocasiones su contenido roza lo insoportable. Además, el compacto incluye un tema grabado por Soft Machine en enero de 1967: “Fred the Fish”, compuesto por Daevid Allen y que finalmente no se incluyó en el primer sencillo del grupo ya que fue sustituida por “Feelin’ Reelin’ Squeelin’”. La formación del grupo era la formada por Daevid Allen, Robert Wyatt, Mike Ratledge y Kevin Ayers. El Dave Stewart que aparece aquí no es el músico de Egg, Khan o Hatfield and the North. En mi opinión Live 1963 es sólo recomendable para fans insaciables de la obra de Daevid Allen y completistas irreductibles del archivo de Canterbury.