Como en otras ocasiones en las que hay ediciones distintas de un disco, se considera como versión de referencia la última edición del mismo, en este caso por el sello Seventh. En su origen, éste era un doble disco de vinilo, que cabía en un único disco compacto. Además, la edición como doble CD por parte de Seventh se hizo incluyendo piezas adicionales y variando ligeramente el orden del programa. Estamos hablando de un grupo que ha conseguido una suerte de plenitud en directo que no se verá reflejada en estudio. No hay formación de Magma que no haya sido interesante en algún sentido. Destacan, entre otras, todas aquellas en las que estuvo involucrado Jannick Top, aquella con los hermanos Paganotti a las voces, o la actual; pero para muchos “la formación” fue aquella en la que coincidieron Didier Lockwood al violín y Bernard Paganotti al bajo. La que grabó este álbum. La presencia del violinista le otorgó un carácter muy especial a los arreglos con un “sabor” muy característico. Era muy joven, ni siquiera había cumplido los veinte años de edad al ingresar en el grupo. Paganotti era, más o menos, de la misma generación que Christian Vander,  con el cual ya había tocado en un grupo pre Magma. Tuvo el dificilísimo papel de hacer olvidar a Jannick Top, cosa que logró.

Mekanïk Destruktïw Kommandöh y Köntarkösz son hitos de la misma época de Magma. Son grabaciones fundamentales en su carrera, relativamente próximas en el tiempo y muy distintas entre sí. Comparten el hecho de que su composición principal –única en el primer caso– hubo de partirse en dos por necesidades de los discos de vinilo, pero, aparte de esto y de la participación de músicos comunes en ambos –sobre todo Jannick Top–, son álbumes muy diferentes. En su versión definitiva el disco quedó conformado por las dos partes de la composición que le da título, que se escuchan seguidas y en directo se hace sin solución de continuidad, y por dos piezas más.  “Köhntarkösz” surgió de la imposibilidad de terminar “Köhntarkösz I – II – III”, que con el tiempo se vería como el germen de “Köhntarkösz Anteria”, que incluiría las piezas “Om Zanka” o “Gamma Anteria”. Hay un flujo de material musical entre composiciones que hace que haya fragmentos que aparezcan en unas u otras piezas en según qué momento de su evolución. Así, una versión de “Köhntarkösz” previa a la grabación de este álbum incluye “Om Zanka”, por ejemplo.

No me imaginaba, cuando decidí escribir una reseña de Magma, que iba a ser tan complicado en todos los sentidos. He intentado documentarme por no quedarme en la superficie, pero pocas cosas hay al respecto y todas son o muy uniformes o muy dispares. Desde identificar al grupo como Zeuhl, sus raíces en los coros de Carl Orff o la música de John Coltrane, sus indiscutibles influencias de Bela Bartok o Stravinsky... reconozco que me produce dolor de cabeza meterme ahí, intentar desentrañar un montón de variables de las cuales desconozco muchas de ellas. No quiero, pues, realizar la reseña desde ese punto de vista. También he probado a informarme sobre la película “Tristan e Iseult”, de Ives Lagrange, de la que este disco representa la banda sonora. Y muy poca cosa he encontrado. La obra, en muchos sentidos, parece todo un misterio. Sí encontré (¡¡en Wikipedia!!) que es la segunda parte de la trilogía THEUSZ HAMTAAHK, junto con la obra homónima y el MDK. Luego, las interpretaciones han sido dispares... No dí con las letras (normal, supongo), ni con las traducciones (es lo que tiene no poseer ya vinilos que te informen de todo). Así que... ¿qué se supone que tengo que describir?.

Cuando en los años setenta una disciplina con forma de objeto volante no identificado abre brecha en la escena musical británica, el universo del conservador medio recibe una patada en los morros. Surge así una nueva senda para la rebeldía, el arte, la moda y el hedonismo; el glam o glitter aterriza en el planeta Tierra. Artistas y agrupaciones con nombres que van de David Bowie a Gary Glitter o de T.Rex a The Sweet consiguen con sus letras pintar un retrato generacional poco visto y oído. En Glam rock. Sexo, purpurina y lápiz de labios, se analiza tanto el reinado del glam rock primigenio como el pronto resurgir en unos ochenta que lo han sentido evolucionar a vertientes como el glam metal, el sleaze rock, el glam punk o el shock rock, entre otros trucos efectistas. De ahí hasta el infinito actual. Un trayecto que le llevará del Dr. Frank-N-Furter al teatrillo de los horrores de Alice Cooper, de los maquillajes de Kiss al freak divismo glamouroso de McNamara, de los Sparks que grabasen Kimono My House a un Ian Hunter, de los eurovisivos Lordi al adicto a las radiofórmulas Mika. El libro combina datos biográficos con anécdotas, análisis de extrañas versiones a himnos glam rock realizadas por músicos ajenos a la corriente, discografías selectas o filmaciones que hacen referencia a esta particular visión de las cosas.

Este es el primero de los tres discos –junto a That’s What You Got Babe y el muy posterior (grabado en España y editado por la Virgin Records) Falling Up– cuyos derechos retiene la EMI y que aún no han sido reeditados como remaster. No obstante, está planeado que así se haga con estos tres discos en un momento dado. Así pues, la única versión disponible en CD es la de BGO Records de 1993, que es absolutamente parca en cuanto a información sobre la propia grabación. Independientemente de que la compañía no apoyara el álbum y de que el ambiente musical había cambiado ostensiblemente en sólo dos años, este disco sufrió una terrible indiferencia. Podía entenderse de que es más de lo mismo. En realidad es que Ayers  es Ayers y pretender que se dé la vuelta como un guante es algo imposible, Para mí, la referencia aquí es la de los primeros discos para EMI-Harvest intentando hacer algo más que en álbumes orientados al rock como los dos precedentes. Mas concretamente tal y como la veo, es a Joy of a Toy y a Bananamour, donde se alojaba la canción “Beware of the Dog”, de la cual aquí hay una secuela. El doblete “Ballad of a Salesman Who Sold Himself” / “A View from the Mountain” me recuerda bastante al Ayers progresivo-obsesivo de los primeros tiempos. “Hat Song” es una antigua canción recuperada.

En su día, el disco me pareció un espléndido álbum de rock, mejor que los que le precedían o seguían. Escuchado hoy en día, en el contexto de las ediciones remaster, he llegado a la conclusión de que los tres primeros discos de la Edad de Plata de Ayers son un conjunto bastante homogéneo en cuanto a calidad. Ni Sweet Deceiver es tan mediocre como era percibido por mí entonces, ni éste álbum tan excepcional, ni Rainbow Takeaway era una fórmula tan gastada –en mi apreciación antigua–. Más bien son tres álbumes de rock al estilo Ayers con pocos elementos progresivos, pero que albergan un puñado de canciones excepcionales. Rainbow Takeaway recuerda algo más a los cuatro primeros discos del cantante y Yes We Have No Mañanas se emplaza también en un lugar intermedio entre dos discos con orientación diferente y participa de aspectos estéticos de ambos. También es un disco de canciones cortas. De las diez que componen el álbum solo tres superan los cuatro minutos de duración. Prima en los contenidos el Ayers rockero, pero queda espacio para otros aspectos, como el cabaretero, el baladista y el progresivo.

Sweet Deceiver es el sexto álbum (en estudio)  de Kevin Ayers, y el primero en ser vapuleado por la crítica, en mi opinión debido a ciertos malentendidos, siendo muy subestimado por causa del contexto. En primer lugar Island vuelve a hacer todo lo posible para lograr el éxito. El manager, John Reid,  trae al mismísimo Elton John (tambien estaba en su nómina)  para participar en el nuevo álbum, se presenta una portada destinada a “corazones adolescentes”, eran los años del triunfo en las listas de rockeros “elegantes” (Bolan, Ferry, Bowie) y Ayers podía encajar (según la discográfica). Así  fue presentado  Ayers en la portada (era la primera vez que salía en una). En segundo lugar en este disco han desaparecido los elementos progresivos y experimentales anteriores. Estos puntos, además de algunas canciones del disco, mostraron a críticos y seguidores una especie de búsqueda flagrante de mercantilismo, que evidentemente fracasaría, ya que las canciones de Kevin son tan particulares que nunca han llegado a adecuarse para audiencias masivas, pero Island lo intentó, a su manera.

Este álbum tiene fortísimas resonancias personales para mí por varios motivos. Fue mi tercer encuentro con la música de Canterbury. Primero fue la adquisición de aquel doble vinilo que reunía los dos primeros discos de Soft Machine, luego llegó Ruth is Stranger than Richard de Robert Wyatt, y en tercer lugar compré este elepé. La presencia de Ayers, Wyatt y Oldfield era más que suficiente. Tuve con el disco mi primera impresión de Ayers fuera de The Soft Machine y esta grabación fue mi puerta de entrada a la música de Eno, John Cale y Nico. En época en el instituto había cuatro discos que constantemente dejaba a mis compañeros de clase y que yo no dejaba de escuchar. Eran éste, 801 Live, Earthbound y USA. Me sabía estos discos de memoria. Ya en la universidad, con el proyecto de grupo en el que me metí, Ciudad Lisérgica,  una de las versiones del repertorio fue “Heartbreak Hotel”, trabajada a partir de la interpretación de John Cale en este concierto.

De alguna manera, el primer disco que publicó Kevin Ayers para el sello Island Records tuvo reminiscencias de su álbum de debut. Encontramos ecos de Soft Machine al contar con la participación de Mike Ratledge y por el rescate de una pieza del primer álbum del grupo, “Why are we sleeping?”, completamente remozada. Podemos evocar a Whole World –en el caso del primer álbum era un pre-eco, al contar con David Bedford- gracias a la presencia de Lol Coxhill. También sucedió que llegó un nuevo músico, el cual tendría un largo recorrido en la obra de Ayers, como fue Ollie Halsall. Este guitarrista será en adelante el compañero, el mejor amigo y músico del cantante hasta su muerte prematura. Por parte de la compañía discográfica parece ser que se le ofrecieron todos los medios, ya que aparecen abundantes músicos de sesión e invitados de “lujo”. Todo ello incidió en la gran cantidad de estilos que se abordan en el álbum y sus muy diversos arreglos.

Tras la ruptura de The Whole Word, la grabación de Whatever ……. y una gira europea como miembro  honorario de Gong, durante 1972 Kevin Ayers se asocia con el bajista Archie Leggett (conocido a través de Allen ya que había trabajado en su álbum Banana Moon) y montan el espectáculo Banana Follies , posteriormente se les unirían Eddie Sparrow y Steve Hillage formándose un cuarteto denominado Decadence, que tras una gira por Francia, se disuelve ya que Hillage decide quedarse en Francia con  Gong, continuando las actuaciones con otro grupo (que tenía Legget) quedando como Kevin Ayers & 747 a mediados de 1973 para promocionar su nuevo álbum: Bananamour, resultado de toda esta actividad de grupos y asociaciones varias del año 72, siendo la base principal el trabajo con  Decadence y algunos “invitados” a sus actuaciones (con buenas grabaciones de directo saliendo algunas a la luz hace poco en el final la colección de su antología de 4 Cds ) y al estudio, como ahora veremos.

Tras la grabación de Joy of a Toy, Ayers necesita formar un grupo estable para funcionar ya que la ausencia de este obstaculizó la promoción de su primer disco, hecho mas bien con sus amistades, y realizar actuaciones  en directo, el resultado fue la creación de The Whole World. Grupo de gente muy dispar y por tanto de diferentes influencias musicales. The Whole World (el mundo entero o mas bien todo el mundo) queda formado por David Bedford, procedente del mundo clásico que ya trabajó en el disco anterior de Ayers, a los teclados y orquestación, Lol Coxhill veterano saxofonista proveniente del mundo del Free Jazz  y la improvisación, un desconocido joven introvertido de 17 años a cargo del bajo y alguna que otra guitarra de nombre Mike Oldfield, mientras que los baterías cambian constantemente, llegando a participar incluso Robert Wyatt en algunos momentos, quedándose finalmente para las sesiones de grabación Mick Fincher. Toda una mezcla de veteranos, niñatos, clásicos, jazzeros, Hippies…. ¡vaya grupo! El resultado plasmado en el estudio fue esto:

Un primer álbum como éste puede ser calificado como una ópera prima perfecta. Lejos de la bisoñez de algunos primeros discos, Joy of a Toy aparece en septiembre de 1969 como una declaración de principios totalmente cabal. Esta perfección puede compararse a la de discos míticos como In the Court of the Crimson King o Tubular Bells. Es una obra equilibrada, completa y con todos los rasgos estilísticos de lo que va a ser gran parte de la carrera y obra de Kevin Ayers. Están los amigos de Soft Machine junto a colaboradores que lo serán de largo recorrido, como David Bedford. También está presente ya la gran variedad de estilos, arreglos y recursos que el cantante va a usar. Incluso hay canciones en el álbum que serán clásicos incontestables del repertorio de los recitales del músico.

Eduardo García, teclista de Senogul nos comenta la noticia: Los Premios AMAS (Anuario de Música Asturiana) son los galardones musicales más importantes que se reparten en Asturias. Este año, estamos nominados Pablo Canalís (quien ya estuvo el año pasado) y yo mismo como mejores bajistas y teclistas respectivamente. También hay una canción del disco de Fran Gayo (en la que yo participo) nominada a "mejor canción otras escenas". Los premios se resolverán el 5 de Marzo. Durante la deliberación también influirán los votos que emita la gente, por lo que os invito a que votéis por nosotros  ¡¡A ver si ganamos más reconocimiento para el progresivo, que falta hace!! Este es el enlace. Gracias a todos http://www.premiosamas.com/

 

De nuevo la invocación enfoca nuestra mirada. No se trata ya del Universo sino de la propia Tierra, a la que llegó el llamado Milenio Trágico –en realidad con una duración mayor de mil años–, la Nueva Edad Oscura, en la que convivieron la escasez de recursos materiales y una alta tecnología indistinguible de la magia. Esta era de destrucción y muerte empezó poco después de la vuelta a Kobaïa de sus enviados, cuando la civilización humana estaba a punto de llegar al mismo punto de inflexión que sufrió la primera cultura planetaria del Cosmos. Llegó este colapso del sistema en un mundo my afectado por las consecuencias de los cambios en el clima instaurados casi doscientos años antes del éxodo hacia el planeta Kobaïa de los seguidores de la Zeuhl Wortz. Tras una serie de feroces guerras que se produjeron en primer lugar por el control de los recursos energéticos, luego por los alimenticios y finalmente por el agua; cientos, tal vez miles, de millones de personas quedaron desamparados y sin nada, a expensas de su propia suerte. La mortandad alcanzó límites inauditos. La no sostenibilidad de la tecnología, de la cual todo el engranaje social era extremadamente dependiente, hizo que llegado el colapso se produjese de golpe un retroceso al momento previo al desarrollo de la revolución industrial.

Los discípulos de Köhntarkösz y los de estos, y aquellos a los que estos últimos captaron para la Zeuhl Wortz a lo largo de varias generaciones fueron infiltrándose en los principales centros de poder del mundo, ya fueran de índole política, económica, intelectual, técnica o artística. Tenían la pretensión de convertirse en un grupo de presión  para conducir a la sociedad hacia la senda de la Zeuhl Wortz, pero no dejaban de ser una minoría con un poder limitado. Llegó el día en que ocurrieron un par de hechos significativos en el desarrollo del viaje espacial y la colonización de nuevos mundos. Por un lado, de ente los numerosos planetas extrasolares  conocidos se encontraron dos con una atmósfera similar a la terrestre. Casi todos habían sido o bien gigantes gaseosos al estilo de Júpiter o rocas sin apenas atmósfera. No fue así esta vez. El más cercano recibió el nombre de Malaria, y el más lejano, merced a la intervención del grupo de presión infiltrado, recibió el de Kobaïa. Por otro lado, se había dado con la calve para realizar viajes a velocidades próximas a la luz casi por casualidad, como un descubrimiento colateral de otra línea de investigación.

No fue ni el primero ni el último, para estas u otras misiones, pero las fuerzas espirituales del universo escogieron a Köhntarkösz desde la niñez. En su mente infantil plantaron semillas que germinaron con el uso de la razón. Fue escogido por las habilidades potenciales que encontraron en él. Nada podía distinguirle de cualquier otro niño durante la primera infancia, pero en cuanto se escolarizó destacó por su facilidad para aprender, no sólo para memorizar sino también para razonar. La suya era una mente privilegiada y por ello siempre estaba insatisfecho en clase. Nunca era suficiente lo que le enseñaban. Además, existía esa incomodidad en su espíritu. Ese vacío que no podía llenar con nada. Llegó el momento en que empezó para él el estudio de la Historia y al llegar al capítulo de la civilización egipcia el suelo fértil que era su mente germinó con fascinación e interés. El texto le pareció insuficiente y empezó a buscar información adicional. A partir de entonces compaginó sus estudios formales con su inmersión en la egiptología.

Anoche en Memphis hace miles de años. Se celebran los cánticos rituales vespertinos mientras se encienden los fuegos y las lámparas que iluminaran la ciudad, los palacios y los lugares de culto. En el santuario del templo de Ptah, Ëmëhntëhtt-Ré, el Sumo Sacerdote y Jefe de los Artesanos, dirige el culto vespertino. Tras toda una vida dedicada a Ptah, ha comprendido que el rito es sólo una técnica y que la perfección en su dominio expresa cómo te dedicas a tu Dios. Interiorizado, se convierte en la clave para acceder a un nivel de conciencia superior. Igual que las funciones del cuerpo físico son autónomas para que la mente no deba estar pendiente de respirar o de mantener el equilibrio, el alma puede automatizar sus funciones para dirigir su plena conciencia hacia lo metafísico.

Nota sobre los Mitos y Leyendas de Magma: Los textos que se incluirán aquí y relativos a los Mitos y Leyendas de Magma son una elaboración literaria mía y no una suerte de "version oficial" de la "Mitología Kobaïana". Pese a que me he inspirado en la música, en textos de Christian Vander, de Jannick Top y de otros autores (músicos o creadores de blogs sobre Magma), leidos en los discos, blogs y otras fuentes, el responsable final de la redacción soy yo. En la música de Magma hay piezas donde es relativamente sencillo encontrar un correlato entre lo que escuchamos y la acción que se narra. Es el caso de lo que llamabamos "Zombies" u "Om Zanka". En otras ocasiones, todo es muy nebuloso y he debido hacer una interpretación en función de lo que sé, completada con lo que me imagino. Éste es el caso de Theusz Hamtaahk.

Mekanïk Destruktïw Kommandöh es una obra conceptual pergeñada por el genio de Christian Vander que se adentra una vez más en las entrañas de la mitología Kobaiana y que musicalmente se expresa a través del género denominado Zeuhl, también creado por el propio Vander. Es importante destacar que el idioma utilizado para narrar la historia que nos cuenta MDK es el Kobaiano, otra creación de Vander, y que suena como una suerte de dialecto franco-nórdico. La inmersión en el universo Kobaiano, de este modo, es total. El disco se grabó en abril de 1973, producido por Giorgio Gomelsky y, como era de esperar, no tuvo demasiada repercusión comercial, aunque los numerosos seguidores de Magma de medio mundo no dudan en calificarlo como una de las obras maestras de la banda. La version original de ese disco se grabo un año antes como "demo" y se  llamó Mekanik Kommandoh, pero no se editó hasta 1997 a través del sello Seventh Records.*

1001º Centígrades se grabó entre el 5 y el 10 de abril de 1971, justo un año después del anterior Kobaïa y  muestra a un grupo desbordante de creatividad, el cual en dicho periodo ha creado una trilogía sonora de corte conceptual. Efectivamente, este disco continúa con odisea kobaiana. En palabras de Christian Vander, “Rïah Sahïltaahk” (primer tema de este disco) “es el siguiente capítulo de la historia del primer álbum...”. Pero volveremos sobre la historia más tarde. Aparecen algunos cambios respecto al disco de debut. Ya no tenemos un álbum doble compuesto de canciones de entre 5-10 minutos sino un solo disco con tan solo tres canciones, una de las cuales ocupa toda la cara A, se trata de la antes mencionada “Rïah Sahïltaahk”. Se producen cambios de personal donde destaca la marcha del guitarrista Claude Engel , siendo la guitarra un instrumento que no se reintegraría . También se iban Paco Charlery y Richard Raux.

Permitidme que empiece esta reseña contándoos como llegué a conocer a Magma. Hace diez años más o menos, en mi último curso de Magisterio tuve un profesor de Geografía fanático del rock progresivo. Un buen día, un compañero me devolvió un cd de John Paul Jones que le había prestado, justo antes de la clase de geografía (concretamente topografía). Entro en el aula, dejo la carpeta encima de la mesa y el cd encima de la carpeta porque no quería guardarlo en medio de la carpeta no se me fuese a romper la caja. Alberto, que así se llama el profesor, pasó por mi lado, se fijó en el disco, lo agarró para echarle un vistazo mientras yo esperaba alguna frase tipo “no quiero esto encima de la mesa” y sin embargo escuché un “¿te gusta el rock progresivo?” que me dejó medio descolocado. Tímidamente respondí que sí y cuando terminó la clase empezamos a charlar largo y tendido forjando una amistad que dura hasta hoy.

Acostumbrados ya a cambios radicales en las formaciones u orientaciones de Magma, lo que sucedió en este momento fue el cambio más radical de todos, la aparición de Offering. Éste grupo es diferente a los proyectos fuera de Magma que tiene Christian Vander, los cuales son varios y diversos. Orientados al Jazz Rock en el caso del supergrupo Fusion o de las diversas formaciones del grupo Alien –el único proyecto de Vander que aún no tiene nada publicado de forma oficial–, al jazz en el caso de propios tríos o cuartetos o de su proyecto con Simon Goubert, Welcome; y todo ello sin olvidar sus discos en solitario tales como To Love o Les Cygnes et les Corbeaux, en una línea muy personal. Todo eso es de una gran calidad y merecería ser reseñado, pero fuera del estudio del “conglomerado” Magma – Offering.

Más importante que esto, VanderTop no funcionaba bien y se mantenían reservas sobre la música que proponía Top, que no gustaba a la mayoría de los miembros del grupo. Después de esta gira Magma se disolvió y comenzó un período de una gran inestabilidad para la banda, con muy diversas formaciones, algunas de corta vida, de las cuales ninguna grabó nada oficial aunque sí hicieron giras, presentando material nuevo. Esperamos que algo de esto salga a la luz algún día, sobre todo por el repertorio y la configuración de doble batería que se intentó para liberar a Vander, para que pudiera tocar el piano y cantar, como sí quedó reflejado en un programa para la televisión. Una de las piezas de esta época indocumentada es “Morrison on the Storm”, un homenaje a Jim Morrison basado en el clímax de “Riders on the Storm”. Debido a tanto problema acumulado, no hubo un nuevo disco del grupo hasta 1978.

Hay una grabación de Mekanïk Destruktïw Kommandöh registrada en enero de 1973 y editada por el sello Seventh en 1997, llamada Mekanïk Kommandöh. La formación del grupo era la siguiente: Klaus Blasquiz a la voz y percusiones, Stella Vander a la voz, René Garber al clarinete bajo y voz, Jean-Luc Mandelier a los teclados, Jean-Pierre Lambert al bajo, Christian Vander a la batería, voz, órgano y percusiones y los coros de la Storchhaus. Hay diferencia apreciable en los arreglos entre esta versión y la definitiva, grabada cuatro meses después. Esta música se nos presenta aquí mucho más austera que en su versión definitiva en estudio. Siguiendo con esta época, podemos escuchar en la recopilación Inedits la pieza “Gamma Anteria” de esta formación de Magma, sin Stella Vander y con Gérard Bikialo al piano, grabada el 15 de febrero de 1973. El tema, precedido por “Om Zanka”, forma parte del final de la tercera sección de Köhntarkösz Anteria. El álbum Inedits recoge, pues, dos fragmentos de esta obra.

Nota previa: No es ésta una biografía de Christian Vander. Sólo tenemos datos contrastados hasta el año 1976, ya que estamos pendientes de la reedición de la biografía de Magma en francés, escrita por Antoine de Caunes, y que conocemos por su primera edición. También se aproxima la fecha de la edición de un nuevo libro. Esperamos ambas cosas. No abordaremos la obra de Vander fuera de Magma u Offering, ya sea bajo su propio nombre o de otros conjuntos. La vida de Magma supera los cuarenta años. Teniendo en cuenta esto y la enorme cantidad de músicos que por sus filas han pasado resulta que no es posible hacer un recuento detallado de todas las formaciones del grupo. La idea es acudir a lo que es esencial. Debemos reconocer que el título de este escrito no es original, sino que utiliza el de una novela de John Varley, que encontramos muy adecuado para representar el concepto subyacente a esta música.

Kevin Ayers es uno de los casos mas enigmáticos en la historia del Rock, ha tocado y grabado con gente del nivel de Soft Machine, Syd Barret, Mike Oldfield, David Bedford, Andy Summers, Zoot Money, Steve Hillage, Elton John, Brian Eno y Ollie Halsall entre otros, la crítica lo ensalzaba, personajes como John Peel lo define como uno de los personajes con mas talento musical que ha conocido, además del talento también tenía prestancia, carisma y demás cualidades que pretenden las discográficas de un artista para llevarlo a la “cumbre”, cosa que intentaron por supuesto. Pero hubo un “pequeño problema” en todo esto, era simplemente que no le interesaba para nada.

Noticias sobre el próximo disco de Senogul narradas por su teclista, Eduardo:  mientras trabajamos en las sesiones "Colossus", hemos empezado también a grabar lo que será nuestro tercer disco. Camino lleva de ser nuestro trabajo mejor definido, asumiendo todos los campos en los que nos hemos movido (y aún estamos). La estructura y el contenido, salvo algún cambio puntual sobre la marcha, ya la tenemos concebida. Todo apunta a que volveremos a hacer un disco largo (es nuestro sino). El paso lógico tras nuestros dos discos anteriores es una fusión de ambas tendencias. De alguna manera esto es cierto a medias. Volvemos a la base de quinteto de rock progresivo de nuestro primer álbum como plantilla general para trabajar, aunque también se nota (en detalles) que ha habido un CESCI previo. También habrá novedades en cuanto a instrumentación, y sobre todo en cuanto a colaboradores (lo cual no desvelaré hasta que todo esté acabado, no vaya a ser...)

Tras diversas conversaciones en noviembre de 1974 se decide fundir ambos grupos, aunque como se ha comentado en la biografía esto no se terminó de conseguir. Este mismo mes tienen lugar las sesiones de grabación en The Manor y en los Nova Sound Studios. De ellas surgió el tema War que aparecería en el siguiente disco de Henry Cow, cuya grabación sucede durante el primer tercio de 1975. Aquí la producción estuvo a cargo tanto de Slapp Happy como de Henry Cow con la ayuda de Simon Heyworth. La portada no incluía un calcetín y no era de Ray Smith sino de Peter Blegvad. El nuevo disco no es editado hasta finales de febrero de 1975.

Es un doble LP que fue editado por Greasy Truckers, una asociación aparentemente filantrópica que ya había editado en abril de 1972 otro doble LP incluyendo grabaciones en febrero de grupos como Man o Hawkwind. Greasy Truckers: Live at Dingwalls Dance Hall dedicaba nuevamente cada cara a un artista, en este caso y sucesivamente Camel, Henry Cow, Global Village Trucking Co. y Gong. Buena parte de la música sería grabada en directo durante un evento que tuvo lugar el 8 de octubre de 1973, pero esto no fue así en todos los casos. Con motivo de un problema con el fluido eléctrico que retrasó el inicio del evento y debido al inamovible final a las 2 de la mañana, tan sólo quedaron 10 minutos para Henry Cow, de forma que su aportación al disco se grabó en el estudio The Manor el día 4 de noviembre de 1973. El registro y las mezclas fueron realizados por Tom Newman y el propio grupo. Este acontecimiento fue filmado por la televisión francesa para un documental sobre Virgin Records.